Al igual que Frida (Kahlo) en México, los brasileños crecieron en un primer nombre con nuestra pintora más celebrada. Hasta el día de hoy, 45 años después de su muerte, "Tarsila" es todo lo que necesitas decir para un reconocimiento instantáneo. Nacida en 1886 en São Paulo, Tarsila se fue a París en 1920 - consideraba que la educación artística en Brasil era demasiado tradicional. En Francia, estudió con el artista Ferny Léger en la famosa Académie Julian. Durante este período, que ella se refería como su "servicio militar en el Cubismo", Tarsila perfeccionó las formas cilíndricas sensuales que se convirtieron en sus formas características para representar tanto cuerpos humanos como animales, así como árboles y plantas.

La exposición del MoMA se inclina fuertemente hacia la parte temprana de su carrera, las décadas de 1920 y 1930, cuando se estableció como una figura central en el desarrollo del modernismo en Brasil. La exhibición incluye una gran cantidad de cuadernos de bocetos, dibujos y fotografías de archivo, pero son los lienzos de gran escala y exuberantes los que capturan tu atención. Coloreados de manera brillante, representando criaturas exóticas, cuerpos de formas extrañas y paisajes mágicos, su trabajo de este período es una notable síntesis de una educación artística internacional con las influencias tropicales y sensuales de su hogar, revelando toques de arquitectura vernácula y referencias folclóricas brasileñas, como Saci Pererê and Cuca. Su trabajo pulsa con la energía y la naturaleza vibrante de Brasil.

Su pintura más icónica, “Abaporu” de 1928, mostrada como la imagen principal en esta publicación del blog, ocupa un lugar central en la exposición y presenta una figura distorsionada sola en un paisaje austero con un solo cactus. El título, tomado de un idioma indígena brasileño, “aba” más “poru”, significa el hombre que come carne humana. Pintada como regalo para su esposo, el poeta Oswald de Andrade, la imagen se convirtió en la representación visual de un movimiento artístico fundamental en Brasil, el Movimiento Antropofágico, que postulaba una cultura brasileña que literalmente “comía” sus influencias, como si consumiera carne humana. El Manifesto Antrofágico (el Manifiesto Canibalista) fue publicado ese mismo año y se considera el texto seminal del modernismo brasileño. El texto fue una respuesta al trauma colonial de Brasil y sugirió que se podría lograr un modernismo nacional autónomo al abrazar influencias locales – y metafóricamente comiendo “al otro”.

Hacia finales de la década de 1930, y en fases posteriores no cubiertas en esta retrospectiva del MoMA, Tarsila se vuelve aún más política como artista. La última pintura de la exposición, “Trabajadores” de 1933, es la más grande que jamás haya hecho, y simboliza este período de conciencia social. Retrata un mar de rostros de trabajadores flotando frente a una fábrica y sus chimeneas. Los rostros, masculinos y femeninos, y de una variedad de razas, son tan emblemáticos de Brasil como la flora y fauna de sus obras anteriores.

Ha habido un verdadero romance en los últimos años entre el arte brasileño y los museos de Nueva York: un increíble número de retrospectivas de artistas brasileños influyentes ha aparecido en importantes instituciones: en 2014, con Lygia Clark y sus criaturas metálicas interactivas plegables en el MoMA; y en 2017 con Lygia Pape y sus performances participativas en el MetBreur, y Hélio Oiticica de fabulosos entornos inmersivos en el Whitney.

Con esta triunfante exposición del trabajo de Tarsila, ahora podemos rastrear las raíces de donde provienen todos estos artistas más jóvenes. Fue Tarsila quien es más responsable de sentar las bases del arte brasileño. La muestra es un deleite y un maravilloso recordatorio del arte más allá de las culturas occidentales. ¡Hace que los brasileños se sientan muy orgullosos!

Disfruta de Tarsila do Amaral en El Museo de Arte Moderno hasta el 3 de junio de 2018.