Wie Frida (Kahlo) in Mexiko wuchsen die Brasilianer mit unserem gefeiertsten Maler auf, und zwar auf Vornamenbasis. Bis heute, 45 Jahre nach ihrem Tod, reicht es aus, "Tarsila" zu sagen, um sofortige Anerkennung zu erhalten. Geboren 1886 in São Paulo, ging Tarsila 1920 nach Paris – sie hielt die Kunstausbildung in Brasilien für zu traditionell. In Frankreich studierte sie bei dem Künstler Fernund Léger an der berühmten Académie Julian. Während dieser Zeit, die sie als ihren "Militärdienst im Kubismus" bezeichnete, verfeinerte Tarsila die sinnlichen zylindrischen Formen, die zu ihren charakteristischen Formen wurden, um sowohl menschliche als auch tierische Körper sowie Bäume und Pflanzen darzustellen.

Die MoMA-Ausstellung neigt sich stark dem früheren Teil ihrer Karriere zu, den 1920er und 30er Jahren, als sie sich als zentrale Figur in der Entwicklung des Modernismus in Brasilien etablierte. Die Ausstellung umfasst eine Fülle von Archiv-Skizzenbüchern, Zeichnungen und Archivfotografien, aber es sind die großformatigen, exuberanten Leinwände, die Ihre Aufmerksamkeit fesseln. Helle Farben, die exotische Kreaturen, seltsam geformte Körper und magische Landschaften darstellen, sind ihre Werke aus dieser Zeit eine bemerkenswerte Synthese einer internationalen Kunstausbildung mit den sinnlichen, tropischen Einflüssen ihrer Heimat, die Berührungen der volkstümlichen Architektur und brasilianischen Folklore-Referenzen offenbaren, wie zum Beispiel Saci Pererê and Cuca. Ihre Arbeit pulsiert mit der Energie und der lebendigen Natur Brasiliens.

Ihr ikonischstes Gemälde, „Abaporu“ aus dem Jahr 1928, das als Hauptbild in diesem Blogbeitrag gezeigt wird, steht im Mittelpunkt der Ausstellung und zeigt eine verzerrte Figur allein in einer kargen Landschaft mit einem einzelnen Kaktus. Der Titel, entlehnt aus einer brasilianischen indigenen Sprache, „aba“ plus „poru“, bedeutet der Mann, der Menschenfleisch isst. Als Geschenk für ihren Ehemann, den Dichter Oswald de Andrade, gemalt, wurde das Bild zur visuellen Darstellung einer entscheidenden künstlerischen Bewegung in Brasilien, der Anthropophagischen Bewegung, die eine brasilianische Kultur postulierte, die buchstäblich ihre Einflüsse „aß“, als ob sie Menschenfleisch konsumierte. Die Manifest Antrofágico (Das Kannibalistische Manifest) wurde im selben Jahr veröffentlicht und gilt als der grundlegende Text des brasilianischen Modernismus. Der Text war eine Antwort auf Brasiliens koloniales Trauma und schlug vor, dass ein autonomer nationaler Modernismus erreicht werden könnte, indem man lokale Einflüsse annimmt – und metaphorisch „den anderen“ isst.

Gegen Ende der 1930er Jahre und in späteren Phasen, die in dieser MoMA-Retrospektive nicht behandelt werden, wird Tarsila als Künstlerin noch politischer. Das letzte Gemälde der Ausstellung, „Arbeiter“ aus dem Jahr 1933, ist das größte, das sie je geschaffen hat – und symbolisiert diese sozialbewusste Periode. Es zeigt ein Meer von Arbeitergesichtern, die vor einer Fabrik und ihren Schornsteinen schweben. Die Gesichter, männlich und weiblich, und aus verschiedenen Rassen, sind ebenso emblematisch für Brasilien wie die Flora und Fauna ihrer früheren Werke.

In den letzten Jahren gab es eine wahre Liebesaffäre zwischen brasilianischer Kunst und New Yorker Museen – eine unglaubliche Anzahl von Retrospektiven einflussreicher brasilianischer Künstler ist in großen Institutionen erschienen: 2014 mit Lygia Clark und ihren interaktiven faltbaren Metallgeschöpfen im MoMA; und 2017 mit Lygia Pape und ihren partizipativen Performances im MetBreur, und Hélio Oiticica's fabelhaft immersive Umgebungen im Whitney.

Mit dieser triumphalen Ausstellung von Tarsilas Werk können wir nun die Wurzeln nachverfolgen, woher all diese jüngeren Künstler stammen. Es war Tarsila, die am meisten dafür verantwortlich ist, die Grundlagen der brasilianischen Kunst zu legen. Die Ausstellung ist ein Genuss und eine wunderbare Erinnerung an Kunst jenseits der westlichen Kulturen. Sie macht die Brasilianer sehr stolz!

Genießen Sie Tarsila do Amaral bei Das Museum für Moderne Kunst bis zum 3. Juni 2018.