Comme Frida (Kahlo) au Mexique, les Brésiliens ont greti en connaissant par leur prénom notre peintre le plus célébré. À ce jour, 45 ans après sa mort, "Tarsila" est tout ce qu'il faut dire pour une reconnaissance instantanée. Née en 1886 à São Paulo, Tarsila est partie pour Paris en 1920 – elle considérait l'éducation artistique au Brésil comme trop traditionnelle. En France, elle a étudié avec l'artiste Fernand Léger à la célèbre Académie Julian. Pendant cette période, qu'elle a qualifiée de son "service militaire dans le cubisme", Tarsila a perfectionné les formes cylindriques sensuelles qui sont devenues ses formes caractéristiques pour représenter à la fois les corps humains et animaux, ainsi que les arbres et les plantes.

L'exposition du MoMA penche fortement vers le début de sa carrière, les années 1920 et 30, lorsqu'elle s'est imposée comme une figure centrale dans le développement du modernisme au Brésil. L'exposition comprend une richesse de carnets de croquis d'archives, de dessins et de photographies d'archives, mais ce sont les toiles de grande taille et exubérantes qui retiennent votre attention. Colorées de manière vive, représentant des créatures exotiques, des corps aux formes étranges et des paysages magiques, son travail de cette période est une synthèse remarquable d'une éducation artistique internationale avec les influences tropicales et sultry de son pays d'origine, révélant des touches d'architecture vernaculaire et des références folkloriques brésiliennes, telles que Saci Pererê and Cuca. Son travail pulse avec l'énergie et la nature vibrante du Brésil.

Sa peinture la plus emblématique, “Abaporu” de 1928, présentée comme l'image principale de cet article de blog, est mise en avant dans l'exposition et représente une figure déformée seule dans un paysage dépouillé avec un seul cactus. Le titre, emprunté à une langue indigène brésilienne, “aba” plus “poru”, signifie l'homme qui mange de la chair humaine. Peinte comme un cadeau pour son mari, le poète Oswald de Andrade, l'image est devenue la représentation visuelle d'un mouvement artistique clé au Brésil, le Mouvement Anthropophagique, qui postulait une culture brésilienne qui “mangeait” littéralement ses influences, comme si elle consommait de la chair humaine. Le Manifeste Antrofagique (le Manifeste Cannibale) a été publié la même année et est considéré comme le texte fondateur du modernisme brésilien. Le texte était une réponse au traumatisme colonial du Brésil et suggérait qu'un modernisme national autonome pouvait être atteint en embrassant les influences locales – et en mangeant métaphoriquement « l'autre ».

Vers la fin des années 1930, et dans des phases ultérieures non couvertes dans cette rétrospective du MoMA, Tarsila devient encore plus politique en tant qu'artiste. La dernière peinture de l'exposition, "Travailleurs" de 1933, est la plus grande qu'elle ait jamais réalisée – et symbolise cette période socialement consciente. Elle représente une mer de visages de travailleurs flottant devant une usine et ses cheminées. Les visages, masculins et féminins, et d'une variété de races, sont tout aussi emblématiques du Brésil que la flore et la faune de ses œuvres antérieures.

Il y a eu une véritable histoire d'amour ces dernières années entre l'art brésilien et les musées de New York - un nombre incroyable de rétrospectives d'artistes brésiliens influents ont vu le jour dans des institutions majeures : en 2014, avec Lygia Clark et ses créatures métalliques pliables interactives au MoMA ; et en 2017 avec Lygia Pape et ses performances participatives au MetBreur, et Hélio Oiticica's des environnements fabuleusement immersifs au Whitney.

Avec cette exposition triomphante du travail de Tarsila, nous pouvons maintenant retracer les racines d'où viennent tous ces jeunes artistes. C'est Tarsila qui est la plus responsable de la pose des fondations de l'art brésilien. Le spectacle est un délice et un merveilleux rappel de l'art au-delà des cultures occidentales. Cela rend les Brésiliens très fiers !

Profitez de Tarsila do Amaral à Le Musée d'Art Moderne jusqu'au 3 juin 2018.