Come Frida (Kahlo) in Messico, i brasiliani sono cresciuti con un rapporto di confidenza con la nostra pittrice più celebrata. Ancora oggi, 45 anni dopo la sua morte, "Tarsila" è tutto ciò che serve per un riconoscimento immediato. Nata nel 1886 a San Paolo, Tarsila partì per Parigi nel 1920 – considerava l'istruzione artistica in Brasile troppo tradizionale. In Francia, studiò con l'artista Ferne Léger presso la famosa Académie Julian. Durante questo periodo, che lei definì il suo "servizio militare nel Cubismo", Tarsila affinò le forme cilindriche sensuali che divennero le sue forme caratteristiche per rappresentare sia corpi umani che animali, così come alberi e piante.

La mostra del MoMA si concentra fortemente sulla parte iniziale della sua carriera, gli anni '20 e '30, quando si è affermata come figura centrale nello sviluppo del modernismo in Brasile. L'esposizione include una ricchezza di quaderni d'archivio, disegni e fotografie d'archivio, ma sono le tele di grande formato e stravaganti a catturare la tua attenzione. Colorate vivacemente, raffiguranti creature esotiche, corpi dalle forme bizzarre e paesaggi magici, il suo lavoro di questo periodo è una sintesi straordinaria di un'educazione artistica internazionale con le influenze tropicali e sensuali della sua terra natale, rivelando tocchi di architettura vernacolare e riferimenti popolari brasiliani, come Saci Pererê and Cuca. Il suo lavoro pulsa con l'energia e la natura vibrante del Brasile.

Il suo dipinto più iconico, “Abaporu” del 1928 mostrato come immagine principale in questo post del blog, è messo in primo piano nell'esposizione e presenta una figura distorta sola in un paesaggio spoglio con un singolo cactus. Il titolo, preso in prestito da una lingua indigena brasiliana, “aba” più “poru”, significa l'uomo che mangia carne umana. Dipinto come regalo per suo marito, il poeta Oswald de Andrade, l'immagine divenne la rappresentazione visiva di un movimento artistico fondamentale in Brasile, il Movimento Antropofago, che postulava una cultura brasiliana che letteralmente “mangiava” le sue influenze, come se consumasse carne umana. Il Manifesto Antrofágico (il Manifesto Cannibalista) è stato pubblicato nello stesso anno ed è considerato il testo fondamentale del modernismo brasiliano. Il testo era una risposta al trauma coloniale del Brasile e suggeriva che un modernismo nazionale autonomo potesse essere raggiunto abbracciando le influenze locali – e metaforicamente mangiando “l'altro”.

Verso la fine degli anni '30, e in fasi successive non coperte da questa retrospettiva del MoMA, Tarsila diventa ancora più politica come artista. L'ultimo dipinto in mostra, "Lavoratori" del 1933, è il più grande che abbia mai realizzato - e simboleggia questo periodo socialmente consapevole. Ritrae un mare di volti di lavoratori che galleggiano di fronte a una fabbrica e ai suoi camini. I volti, maschili e femminili, e di diverse razze, sono altrettanto emblematici del Brasile quanto la flora e la fauna delle sue opere precedenti.

Negli ultimi anni c'è stata una vera e propria storia d'amore tra l'arte brasiliana e i musei di New York: un numero incredibile di retrospettive di artisti brasiliani influenti è apparso in importanti istituzioni: nel 2014, con Lygia Clark e i suoi critters metallici pieghevoli interattivi al MoMA; e nel 2017 con Lygia Pape e le sue performance partecipative al MetBreur, e Hélio Oiticica's ambienti straordinariamente immersivi al Whitney.

Con questa trionfante esposizione del lavoro di Tarsila, ora possiamo tracciare le radici da cui provengono questi giovani artisti. È stata Tarsila a essere la principale responsabile della creazione delle basi per l'arte brasiliana. La mostra è un piacere e un meraviglioso promemoria dell'arte al di là delle culture occidentali. Rende i brasiliani molto orgogliosi!

Goditi Tarsila do Amaral presso Il Museo di Arte Moderna fino al 3 giugno 2018.